Sleep: Dopesmoker

Über den Song “Dopesmoker” von “Sleep”.

Es gibt Songs, die jede*r in einer bestimmten Musikszene kennt und die kaum jemand nicht liebt. Absoluter Kult, Teil der Grundbildung jeder Person, die sich zugehörig fühlt. Dopesmoker ist ein ein solcher Song für die Stoner-Szene.

Mit beinahe 65 Minuten Länge ist Dopesmoker der längste Song, den ich kenne. Das komplette Album besteht nur aus diesem einen Song und es wird niemals langweilig. Nach einem Intro von etwa 8 Minuten und 30 Sekunden setzt der Gesang ein:

Drop out of life with bong in hand
Follow the smoke toward the riff-filled land

… und jede*r weiß Bescheid. Doch da ist mehr. Über das grandiose, sich endlos wiederholende und variierende Riff, das durchgehend fesselt und von mehreren Soli ergänzt wird, möchte ich gar nicht mal sprechen. Natürlich ist es das Herzstück des Songs. Aber es gibt viele gute Stoner-Songs mit guten Riffs. Was den meisten Liedern dieser Szene fehlt, sind gute Lyrics. Dopesmoker beweist den meiner Meinung nach kreativsten Umgang mit der Thematik des Kiffens überhaupt. Schauen wir mal rein.

Erzählt wird die Geschichte einer Karawane durch die Wüste nach Jerusalem. Sie folgen einer Prophezeiung. Die Karawane besteht aus Priestern, Stoner-Priestern, die den Samen aus dem Garten Eden – Cannabis – in die heilige Stadt transportieren. Das ist also der Aufbau: Ultimative Stonedheit in einem rituellen, kultischen, religiösen Rahmen. Mein liebster Teil davon sind die vielen Bezeichnungen für die Priester. Sie sind Weedians, Lungsmen, Weed-priests, Smoke-covenant, Herbsmen und mein absoluter Favorit: Marijuanaut. Dieses Wort wurde Jahre später, 2018, Titel eines Songs auf dem Album The Sciences, das eine würdigen Rückkehr der Band nach 15 Jahren Pause darstellt. Dopesmoker ist nämlich schon von 2003, ist allerdings eigentlich eine Überarbeitung des Songs/Albums Jerusalem von 1999.

Die Umgebung der Wüste wird mehrmals als sandsea oder sandscape besungen, was mir immer einen lebendigen Eindruck von Dünen und endlosem Sand vermittelt und mich außerdem entfernt an den Wüstenplaneten aus Dune erinnert (man könnte sogar das „Spice“ mit etwas gutem Willen mit Weed gleichsetzen, weil es eine Droge ist und lange Weltraumflüge erlaubt). Andere Assoziationen meinerseits wären noch Tatooine, obwohl Star Wars eine zu brave Optik hat für den Song, und die Priester und Technokraten aus der Warhammer 40k-Welt. Berühmt und passend ist die Darstellung der Karawane von Mönchskutten tragenden Steampunk-Weed-Priests mit Kiff-Rucksack auf dem Cover des Albums – nicht in allen Auflagen –, die gut wiedergibt, was ich ohnehin im Kopf habe beim Hören.

Unterstützt wird die Wirkung der Musik und des Textes durch den grandiosen, lang gezogenen Vortrag von Al Cisneros, den manche vielleicht eher vom Projekt Om kennen. Wie ein Priester in einer okkulten Messe streckt er fast jeden Vokal und zerstückelt die Einheit der Sätze unnatürlich in passende, neue Einheiten. Der Effekt ist genial. Man spürt zugleich das Wandern der Karawane und das Zurücklassen der irdischen Dinge durch die zugedröhnten Pilger, während man sich in ein quasi-religiöses, meditatives Gefühl hineinsteigern kann. Die Pilgerfahrt der heiligen Stoner kann losgehen. Zugegebenermaßen bekomme ich immer Lust auf einen fetten Joint bei diesem Song (ich war niemals ein Freund von Bongs).

Wenn wir schon über Sleep sprechen und bereits Om erwähnt haben, müssen wir natürlich noch auf Matt Pike (Gitarrist bei Sleep) und seine Band High on Fire hinweisen. Vielleicht schreibe ich irgendwann mal einen Artikel über High on Fire, aber hier sei erst einmal der Hinweis ausreichend, dass man unbedingt reinhören sollte. Der Sound der Band erinnerte mich immer an eine sich kraftvoll drehende Turbine oder das riesige Rad einer Dampflok. Die Riffs drehen sich weiter und weiter und es geht stets voran. Live sind sie übrigens auch absolut geil.

Von langen und ultralangen Songs kann man halten, was man will. Mir können sie auf die Nerven gehen, obwohl ich manche von ihnen sehr mag. Was ich aber liebe, ist die Tatsache, dass kleinere Musikszenen wie die Stoner-/Doom-/Sludge-Szene – Fans wie Labels – Künstler*innen die Freiheit erlauben, sich auszutoben, solange die Qualität stimmt. Kein Pop-Label würde ein 65-minütiges Album, das nur aus einem Song besteht, veröffentlichen. Viel zu unsicher. In kleineren Szenen bekommt man das Gefühl, dass alle Beteiligten aus Liebe zur Musik dabei sind, auch wenn die Realität anders aussehen mag. Musiker*innen (genau wie andere Künstler*innen) sollten immer so frei und unbekümmert an ihre Arbeit herangehen (können), wie Sleep es im Falle von Dopesmoker getan haben: Einfach mal ein Jahr lang an einem einzigen, ungewöhnlich und unbequem langen Song über bekiffte Kleriker in der Wüste arbeiten und dabei das vermutlich epischste Stoner-Werk aller Zeiten zu erschaffen, herrlich! Follow the smoke toward the riff-filled land!

Grantig: Zwei wütende Alben

Über die deutsche Metal-Band “Grantig”.

Lass es raus
Du bist Funke und Benzin
Schluck den ganzen Müll nicht runter
Deine Wut ist Medizin

Im Metal wie auch in anderen Musik-Genres wird fast jeder Songtext in englischer Sprache vorgetragen. Im englischsprachigen Raum und bei Interpreten, die aus diesem Raum kommen, ergibt das natürlich Sinn. Allerdings ist das Englische auch in Deutschland vorherrschend. Dies wird kein Aufruf zur Rettung der deutschen Sprache, sondern ein Beitrag über eine der wenigen Metal-Bands, die deutsch singen und damit herausstechen.

Der Beitrag über Treibstoff hat mich an zwei andere Bands erinnert, deren Frontleute ebenfalls in deutscher Sprache singen (und die ich trotzdem und deswegen mag). Diesmal soll es um Grantig gehen. Leider haben Grantig nur zwei Alben veröffentlicht und sich dann aufgelöst. Das ist verdammt schade. Vor diesen Alben hatten sie noch eine Demo produziert, die damals in die Hände eines Freundes geraten war, der nicht müde wurde, sie absolut jeder und jedem vorzuspielen. Es gab damals kein anständiges Wochenende, das nicht mindestens eine „Grantig-Session“ enthielt, in der die Demo auf voller Lautstärke durchgeballert wurde (meist nachts). Ich selbst habe eine Kopie dieser Demo erst bei einem Konzert von der Band selbst bekommen, nachdem der oben genannte Kollege das mit den Bandmitgliedern abgeklärt hatte. Kommunikation ist nicht nur möglich, sondern auch notwendig, wenn die eigene Kunst noch kein Mainstream geworden ist. Dies gilt für jeden Bereich der Kunst.

Als ich damals nicht wusste, wie ich meiner Therapeutin erklären sollte, wer ich bin, stellte ich einige Songs zusammen, die mich definieren sollten. Ein psychoanalytisches Mixtape. Grantig waren dabei. Songs vom ersten Album. Die Themen sprechen vermutlich viele junge Menschen an: Die Sinnlosigkeit der Arbeit, Außenseitertum, das Zerbrechen an eigenen Fehlern und jede Menge Wut. Seht mich explodieren, das ist eine der ersten Zeilen, die ich mit Grantig verbinde. Ich finde diese Wut sympathisch, nachvollziehbar und, wie oben erwähnt, geradezu definierend für meine Persönlichkeit (in der damaligen Zeit jedenfalls).

Zweimal habe ich Grantig live gesehen. Beim ersten Mal spielten sie in der Matrix in Bochum. Dort habe ich die angesprochene Demo erhalten. Den Ort des zweiten Konzerts habe ich vergessen, woran der damals übliche und übermäßige Alkoholkonsum eine gewisse Mitschuld tragen könnte. Jedenfalls brachen sie mir zweimal beinahe das Genick. Jeder, der einen Live-Auftritt von Grantig verpasst hat, sollte es fortan bereuen.

Auf dem zweiten Album namens Medizin findet sich eines meiner Lieblingscover. Früher habe ich ganz gerne mal Ton Steine Scherben gehört und freute mich entsprechend, dass es ein Metal-Cover von Warum geht es mir so dreckig? gab. Zwar wurde das Original im Jahre 1971 veröffentlicht, doch hatte es beim Release von Medizin 2009 und auch heute noch die gleiche Aussagekraft und Ehrlichkeit. Ich kann mir nicht vorstellen, dass es nicht noch immer unzählige Menschen gibt, die sich vom Text angesprochen fühlen, politische Ausrichtung hin oder her. Davon abgesehen könnte man sagen, dass die Songs auf So Muss Es Sein, dem ersten Album, ehrlicher, brutaler und persönlicher sind als die auf der zweiten Scheibe. Das könnte Medizin in den Augen mancher schlechter machen als das erste Album, aber die Platte bleibt noch immer großartig.

Geistiger Umweg: Ungefähr zur Zeit des Debütalbums 2008 entwickelte ich die Idee, dass das erste Album einer Band immer das persönlichste und oft das beste der Laufbahn ist. Meiner damaligen Meinung nach liegt das daran, dass Bands jahrelang Songs schreiben und auf ihre Chance warten, bis das erste Album überhaupt aufgenommen werden kann. Entsprechend haben sie einen großen Pool, aus dem sie die besten Titel schöpfen können, und die besten Songs sind oft die persönlichsten. Für eine ordentliche Musikkarriere muss innerhalb eines Jahres ein zweites Album nachgelegt werden, was dazu führt, dass die Band entweder die Songs nimmt, die es nicht aufs erste Scheibe geschafft haben oder nur ein Jahr Zeit haben, um neues Material zu schreiben. Diese Theorie hat enorme Lücken – geistige und künstlerische Weiterentwicklung, die Möglichkeit ausschließlich guter Songs von Anfang an usw. Manchmal jedoch hatte ich damit Recht.

Heutzutage denke ich mit einer gewissen Nostalgie an Grantig und die mit dieser Musik verbundenen Abende. Ich liebe die Musik noch immer und würde mich freuen, wenn die Band auch heute noch ein paar Euro verdienen würde, weil Fans wie ich ihre Erinnerung aufrechterhalten. Nicht mehr regelmäßig höre ich diese Musik, aber wenn, dann höre ich meist mindestens ein Album durch (beispielsweise als Begleitung zum Workout).

Also hört mal richtig hin und rein und sagt mir, was ihr von Grantig haltet!

PS: Das Titelbild dieses Blogeintrags zeigt mein Grantig-Shirt, das ich seit 2009 oder 2010 trage und tragen werde, bis es in Fetzen hängt.

Treibstoff: Groove Metal aus Dortmund

Über Treibstoff, die Groove-Metal-Band aus Dortmund.

Es gibt ihn noch: lokalen Underground. Bands und Künstler*innen, die jahrelang ihr Ding durchziehen, kreativ sind, touren, die Kulturlandschaft bereichern. Gestern, am 29.02.2020, war Metal for Mercy im BlackEnd in Dortmund und Treibstoff waren Headliner.

Wer in der Metal-Szene Dortmunds unterwegs ist, hat mit Sicherheit schon von dieser Band gehört. Seit vielen Jahren sind sie in wechselnder Zusammenstellung dabei. Konstant ist immer Frontmann, Sänger und Songwriter Flo gewesen. Der definierende Sound, der im Bereich zwischen Pantera, ein bisschen Hardcore und viel dreckigem, hartem Groove liegt, ist somit von Anfang an geblieben. Es gibt richtig auf die Fresse. Das haben Treibstoff auch gestern wieder bewiesen, als sie das BlackEnd mit leider nur 6 Songs aufheizten. Spätestens mit ihrem Song Attackier mich!, das auf keinem Konzert fehlt, hatten sie mich wieder gepackt.

Ihr erinnert euch an meinen Beitrag über Slipknot und die Wahrheit über aggressive Musik? Es gibt Überschneidungen. Attackier mich! ist immer mein Favorit gewesen im Arsenal von Treibstoff. Auf etlichen Konzerten habe ich vollkommen die Kontrolle verloren und bin abgegangen wie sonst selten. Das lag einerseits am erhöhten Blutalkoholpegel, aber ganz besonders am Sound, am Text und an der Energie, die Flo zu übertragen versteht. Attackier mich! Malträtier mich! Erst wenn es reicht und ich nicht mehr kann, mach ich weiter und fang zu leben an, heißt es darin. Greif mich an, es macht mich bloß stärker. Es ist wieder ein herrliches Beispiel für dieses dicke Fuck the World, das in der Metal-Szene zelebriert wird und von dem ich mich wieder und wieder angesprochen fühle.

Und auch Treibstoff glauben daran, sie glauben an Metal, den Underground und die Bedeutung dieser Genres für uns. Man konnte die Ehrlichkeit aus Flo’s Worten spüren, als er sich für die Veranstaltung, die Teilnahme und die Chance zu spielen bedankte. Ich sterb für meinen Glauben jedes verdammte Mal, singt er und meint genau das. Er gibt alles für die Musik.

Vor ungefähr acht Jahren besuchte ich ein Treibstoff-Konzert in einer dreckigen Kneipe in Dortmund. Es gab eine kleine Tanzfläche und eine kleine Bühne. Treibstoff rissen die Hütte ab und ich sprang wie wild herum. Da blickte ich nach vorn und sah, wie Flo von der Bühne auf einen Barhocker stieg, von dort auf einen Tresen und auf das Publikum einschrie. Es war ein Anblick für die Götter. Bedenkt man, dass vielleicht 30 Leute beim Auftritt anwesend waren, ist es erstaunlich, sich dermaßen ins Zeug zu legen. Aber das macht Treibstoff aus: Energie.

Obwohl ihr Album Brennendes Gold aus dem Jahr 2016 noch immer das aktuelle ist, findet man auf ihrem Youtube-Kanal einiges an neuem Material. Ich hoffe auf eine neue Veröffentlichung (und weitere Konzerte) in nächster Zeit. Die anderen Alben, die ihr auf dem Titelfoto dieses Eintrags erahnen könnt, sind Demos. Ich bin in der glücklichen und seltenen Lage, sie alle zu besitzen (inklusive der allerersten von 2009).

Wer auf derben Sound und groovigen Metal steht, sollte unbedingt mal reinhören und die Jungs unbedingt live erleben. Es lohnt sich. Unterstützt euren lokalen Underground! Unterstützt den Underground! Es gibt so viel Gutes zu erleben, zu hören, zu sehen und zu lesen außerhalb des Mainstreams, unabhängig von Labels und Verlagen.

Slipknot und die Wahrheit über aggressive Musik

Über Slipknot und die Vorteile aggressiver Musik.

1999 war ich 14 Jahre alt und im gleichen Jahr erschien das erste Album von Slipknot mit Sänger Corey Taylor. Ich hasste die Welt so sehr. Etwa ein Jahr später entdeckte ich Slipknot für mich. Endlich hatte ich nach mehreren Jahren wieder echte Freunde gefunden, die mich ein Stück weit auffingen, aber gerettet war ich noch lange nicht.

Ich erinnere mich, wie ich in jeder Pause am gleichen Ort saß neben meinem besten Freund, der mich noch heute begleitet. Mit dem rechten Ohr hörte ich Slipknot und er mit dem linken. In meiner Erinnerung redeten wir in diesen Momenten wenig bis gar nicht. Die Musik packte mich und ich starrte auf all die Mitschüler, die ich zum Kotzen fand. Aber es lag natürlich nicht an der Musik.

Wenn mal wieder ein junger Mensch durchdreht, wird die Schuld gern auf Videospiele, Filme und auch aggressive Musik geschoben. Doch die Wahrheit ist, dass Jugendliche, die sich von Killerspielen oder Action-Filmen anspornen lassen, um Gewalt zu üben, längst hätten gerettet werden müssen. Zu den beiden Faktoren möchte ich nichts sagen, sondern nur zur Musik. Die Songs von Slipknot zeigten mir vieles, das mir vorher nicht klar war. Meine Wut war nicht meine Schuld, sie war nicht die Ausgeburt eines schlechten Menschen und nicht nur ich spürte sie. Meine Wut wurde mir von außen aufgezwungen und anderen ging und geht es auch so. Jemand hatte Worte gefunden für meine Gefühle, die ich nur stillschweigend in mir kochen lassen konnte (und sie waren so furchtbar kurz vorm Überkochen). Die Worte mochten nicht meine gewesen sein und die Musik war roh, aber beide trafen es auf den Punkt.

Running out of ways to run
I can’t see, I can’t be
Over and over and under my skin
All this attention is doing me in

Fuck it all! Fuck this world!
Fuck everything that you stand for!
Don’t belong! Don’t exist!
Don’t give a shit!
Don’t ever judge me!

Picking through the parts exposed
Taking shape, taking shag
Over and over and under my skin
All this momentum is doing me in!

You got all my love, livin’ in your own hate
Drippin’ hole man, hard step, no fate
Showin’ you nothing, but I ain’t holdin’ back
Every damn word I say is a sneak attack
When I get my hands on you
Ain’t a fucking thing you can do
Get this cuz you’re never gonna get me
I am the very disease you pretend to be

I am the push that makes you move

Slipknot – Surfacing

Erinnert ihr euch, wie Marilyn Manson als das absolut Böse verschrien wurde? Es gab Proteste und Beinahe-Anschläge und so viel Hass gegen ihn wie selten gegen einen Künstler. Und warum? Er war angepisst von der Welt und sprach damit Hundertausenden aus der Seele. Über Manson werde ich sicherlich auch noch mehr schreiben, aber hier soll es ja um Slipknot gehen. Bei ihnen war es im Grunde das selbe, nur mit etwas weniger oder anderer Öffentlichkeitswirkung. Solche Musik (und auch andere Kunstformen, die diese geballte Wut und Traurigkeit ausdrücken) haben nicht nur eine Existenzberechtigung, sondern sind ein unumgängliches Muss, beinahe eine Verpflichtung. Wir sind nicht alle gemacht für die glatt gebügelte und ewig beruhigende Pop-Welt.

Aggressive Musik hat mir nicht nur gezeigt, dass ich nicht allein und gestört bin, sondern schenkte mir auch ein Ventil. Ich habe mehrmals darüber geschrieben und werde es wohl noch häufiger tun. Die Energie, die nicht sanft herausgelockt, sondern brutal gegriffen und an die Oberfläche gerissen wird, kommt endlich raus. Ich erinnere mich, wie ich mitgeschrien habe, wie ich zitterte vor Wut und Aggression, wie ich herumsprang, headbangte, pogte und plötzlich – endlich! – für Momente befreit war. Kein Ritzen und keine Verbrennungen gaben mir diese Art von Erlösung.

Die Teenager-Jahre sind prägend fürs Leben, denke ich. Heute bin ich nicht mehr der Junge von damals, aber irgendwie eben doch. Mir geht es zum Glück sehr viel besser, aber noch heute brauche ich Musik, die wehtut und mich zwingt, die Wut auf gesunde Weise herauszulassen, Musik, die mir zeigt, dass es anderen auch so geht.

Clown von Slipknot sagte vorletztes Jahr in einem Interview: I don’t need the new fan, I need the fan that has anxiety, parents are getting divorced, social problems, gender problems — I need them to come […] und das ist mir im Gedächtnis geblieben. Sie sind sich ihrer Bedeutung bewusst trotz allem Erfolg und allen Geldes. Ich habe entschieden, das nicht für reine Publicity zu halten. Dieses Interview ist 19 Jahre nach Erscheinen des ersten Albums gegeben worden. Ich mag das meiste ihrer Musik, aber dieses erste Album hat immer eine besondere Bedeutung behalten. Es war roh und brutal und genau das, was ich damals dringend brauchte. Natürlich gab es andere aggressive Musik, Slayer usw. Aber Slipknot fühlten sich echter an, ehrlicher. Ich halte das für einen wichtigen Faktor und ich rede nicht vom albernen Attribut, das Metalheads gerne als true bezeichnen. Es fühlte sich an, als wären sie genau so wütend wie ich.

Und wie beende ich den Artikel jetzt? Ich habe wohl mehr offenbart, als ich eigentlich wollte. Heute würde ich mich nicht mehr als Fan der Band bezeichnen, aber ich betone es noch einmal ganz deutlich: Slipknot und andere aggressive, deprimierende, abgefuckte und verstörende Bands haben eine Berechtigung und eine wichtige Aufgabe. Sie holen diejenigen ab, die von allen anderen zurückgelassen worden sind. Musik ist für dieses emotionale Abholen wohl am besten geeignet, aber auch andere Kunstformen sollten offen dafür sein und als Autor ist es auch meine Hoffnung, dass ich Menschen anspreche, die sich in meinen Werken wiederfinden und ein klein wenig verstanden fühlen. Erschafft, was euer Herz von euch verlangt, und passt euch nicht an für möglicherweise größere Erfolgschancen! Dann klappt das schon.

Das Moshpit-Regelwerk

Was ist ein Moshpit und wie sollte ich mich darin verhalten?

Da ich inzwischen gerne auch über Musik und Konzerte schreibe, aber viele Leser*innen noch nie auf einem Metal- oder Punk- oder einem ähnlichen Konzert gewesen sind, möchte ich spaßeshalber einiges erklären. Was Headbangen ist, weiß inzwischen wohl jeder. Mit Begriffen wie Pogo, Moshpit, Circle Pit oder Wall of Death können hingegen nicht alle etwas anfangen.

Pogo ist ein „Tanz“, der ursprünglich aus der Punk-Szene stammt. Im Grunde springt man wild durch die Gegend, rammt und schubst andere weg. Der Kreis, im dem Pogo getanzt wird, nennt man Moshpit. Moshpits sehen wild und gefährlich aus und tatsächlich kommt es immer zu kleineren (oder größeren Verletzungen), aber es gibt gewisse ungeschriebene Regeln, um die Verletzungsgefahr auf ein Minimum zu reduzieren. Pogo ist schließlich keine Schlägerei, sondern Leute, die zusammen Spaß haben wollen. Die Moshpit-Etikette schreibt beispielsweise vor, dass jemand, der zu Boden stürzt, geschützt wird. Ich habe es hundertfach gesehen: jemand (z.B. ich) stürzt und liegt am Boden und sofort stoppen alle im Umkreis, von allen Seiten greifen Arme nach der gestürzten Person und ziehen sie auf die Beine. Das ist eine Sache von Sekunden. Danach geht es sofort weiter. Ich habe mal einen Betrunkenen gesehen, der mitten im Pit auf die Knie ging und seine Schuhe zugebunden hat. Er hatte sofort mehrere Leute um sich, die mit ausgebreiteten Armen einen Schutzwall bildeten, bis er fertig war. Zwar war seine Aktion dämlich, aber man will ja trotzdem nicht sehen, wie er totgetrampelt wird. Zu Verletzungen kommt es trotzdem immer wieder. Das ist Teil des Spiels. Blaue Flecken, Ellbogen im Gesicht, eine kleine Verbrennung, weil jemand mit einer Zigarette im Pit ist … Aber man nimmt es niemandem übel, weil es keine Absicht ist. Das wäre vielleicht die nächste Regel. Die vielleicht wichtigste Regel ist, dass niemand mitmachen muss. Wer nicht rein will, muss nicht, wer raus will, wird raus gelassen, und wer raus muss, dem wird geholfen. Rund um den Pit muss das Publikum natürlich etwas aufpassen, denn ständig kommen Leute herausgeflogen. Es empfiehlt sich, die Arme zum Schutz bereit zu haben.

Ein Circle Pit ist eine Abwandlung des Mosh Pits. Dabei laufen alle im Kreis und tanzen in dieser Bewegung. Es gelten die gleichen Regeln. Gerade bei großen Konzerten und entsprechend großen oder direkt mehreren Circle Pits sieht das von außen betrachtet ziemlich cool aus. Ich selbst war bisher nur in einem einzigen Circle Pit und zwar bei Lamb of God. Gewisse Publikumsaktionen sind eben bei bestimmten Bands häufiger als bei anderen. Lamb of God fordern direkt dazu auf.

Pits brauchen keine Koordination von außen. Sie kommen aus dem Publikum heraus und lösen sich manchmal einfach wieder auf. Eine Wall of Death wiederum benötigt entweder viele Leute, die zusammenarbeiten oder die Koordination durch die Band. Bei einer Wall of Death wird das Publikum mittig geteilt. Egal wie eng alle vorher stehen, die Gruppe wird wie das rote Meer geteilt und es entsteht eine Lücke von mehreren Metern. Auf ein bestimmtes Signal, ein bestimmter Part im Song oder einfach die Ansage der Band, rennen beide Seiten aufeinander zu und crashen in der Mitte, häufig springen die Leute geradezu gegeneinander. Sobald das Publikum zusammengeklatscht ist, startet der Pit und es geht richtig ab. Es ist ein herrlicher und etwas furchteinflößender Moment, wenn immer mehr Raum geräumt wird und die vordersten Reihen beider Seiten des Publikums kampfbereit und aufgedreht auf ihr Signal warten. Die Band zögert es immer weiter heraus und die Spannung steigt weiter, bis es endlich losgeht. Damit eine Wall of Death gut funktioniert, braucht es ein gut gelauntes und aktives Publikum und die Fähigkeit der Band, die Aktion zu koordinieren. Für mich persönlich ist das ein sehr viel geilerer Anblick als diese „Haltet alle eure Telefone in die Luft und macht gleichzeitig ein Foto“-Aktion, die man manchmal sieht.

In die Liste sollte ich noch das Crowd Surfing aufnehmen. Das kennen wohl auch die meisten. Eine Person wird vom Publikum auf den Händen getragen und weitergereicht, bis sie ganz vorne oder ganz hinten ist oder irgendwo zwischendrin abschmiert. Manchmal startet eine solche Aktion mitten im Publikum. Dann wird jemand hochgehoben und los geht’s. Aber der Klassiker ist, dass jemand auf die Bühne klettert und ins Publikum springt. Die zweite Version hat ein paar Haken. Erstens funktioniert das bei großen Konzerten nicht, weil es eine Absperrung vor der Bühne gibt. Auf kleinen Konzerten geht das aber problemlos, solange die Security (falls vorhanden) es zulässt. Das zweite Problem ist der Aufprall. Wenn die anderen nicht wollen (oder die springende Person zu massiv ist), springt jemand direkt durch und klatscht auf dem Boden auf. Das geschieht aber eher selten. Insgesamt sieht ein Absturz beim Crowd Surfing schlimmer aus, als er ist. Häufig sieht man, dass eine solche Aktion damit endet, dass jemand mit den Füßen noch in der Luft hängt, aber kopfüber abgeschmiert ist. Da er aber noch gehalten wird, schlägt er selten ungebremst auf. Alles Teil des Spaßes.

Damit wären wir auch beim großen Warum. Es macht Spaß. In einem Moshpit kann man angemessen zur Musik abgehen und Aggressionen rauslassen, ohne sich oder andere über die Maße zu gefährden. Es ist geradezu reinigend. So glücklich und zufrieden wie nach einem richtig harten Konzert mit Moshpit fühle ich mich sonst selten. Alle Aggression ist abgebaut, man ist körperlich völlig erschöpft und hatte viel Spaß.

Vielleicht ein paar eigene Kriegsgeschichten zum Abschluss?

Slayer habe ich leider nur ein einziges Mal live gesehen und zwar bei der Abschiedstour 2018. Der Pit war wild. Ich erinnere mich, wie ich für einen Moment mittendrin stand wie im Auge eines Sturms. Links von mir, direkt neben dem Pit, wurden jemand über das Publikum getragen, auf dem Boden lag eine abgetrennte Schuhsohle und um mich herum sprangen, sangen, schrien und schubsten die Leute wild durcheinander. Mehrere verschwitzte Bodybuilder-Typen, ein paar dicke Metalheads, ein paar Alt-Metaller (ich mag den Ausdruck), die kurz vor einem Herzinfarkt zu stehen schienen, Stockbesoffene und Nüchterne, junge und alte, Männer und Frauen gingen zusammen ab. Am Ende spielten Slayer noch Angel of Death und die Härte des Pits steigerte sich noch einmal. Die Energie, die man dabei spürt um sich und in sich, ist enorm. Es fühlt sich an wie Euphorie und Wahnsinn, Gewalt und Freude. Ich liebe es.

Mit die besten Moshpits, die ich erlebt habe, gab es bei Punk-Konzerten. Bei einem Auftritt von Wizo vor vielen Jahren (14 oder 15?) waren ungefähr 400 Leute im Publikum und 200 davon formten einen einzigen, riesigen Pit. Die gesamte vordere Hälfte sprang durcheinander. Es war glorreich. Keiner schien auf die eigene Gesundheit zu achten, aber durchaus auf die der anderen. Stürzte jemand, wurde ihm aufgeholfen. Zu irgendeinem Zeitpunkt musste ich Luft holen und verließ den Pit für eine Weile. Ich stand neben einem Punk, dessen Nietenspikes an den Schultern bei mir auf Augenhöhe waren, und ich war froh, dass ich ihm nicht im Pit begegnet war. Da kam ein Mädchen von vielleicht 15 Jahren auf mich zu. Sie sah mich an. Sie atmete schwer, war ziemlich betrunken und stand direkt am Rand des Moshpits. Dann breitete sie ihre Arme aus und ließ sich rückwärts in den Menschenstrom fallen. In einem Sekundenbruchteil war sie verschwunden, untergegangen im Pit.

Übrigens habe ich am rechten Arm noch einen kleinen weißen Punkt, der von einer Zigarette stammt. Damals war ich so betrunken und aufgedreht, dass ich es kaum bemerkte, aber inzwischen bin ich dankbar dafür. Immer, wenn ich sie wieder sehe, erinnert mich die Narbe an ein Konzert von Kyuss Lives, auf dem ich mit mehreren Freunden viel Spaß hatte.

Jahresrückblick II: Musik II (live)

Über besuchte Konzerte 2019.

Es ist eine Sache, Musik in der Bequemlichkeit der eigenen Wohnung zu hören, und eine andere, sich einem Live-Konzert auszusetzen. Im Bestfall wird dort alles intensiver und neue Aspekte des Musikgenusses kommen hinzu. Man hört Bands nach einem Konzert anders als noch zuvor. Diese Erfahrung habe ich häufig gemacht. Auch 2019 habe ich wieder mehrere Konzerte besucht und möchte von einigen berichten. Der Einfachheit halber habe ich meinen Terminkalender zur Hilfe genommen und gehe chronologisch vor.

Wir starten im Februar. Am 17. spielte John Garcia mit seiner Band of Gold im Helios 37 und am 18. waren Amenra im Junkyard. Unterschiedlicher können Konzerte kaum sein. John Garcia macht Party und sieht dabei nicht selten aus, als stünde er kurz vor einem Herzinfarkt. Es wurden einige Songs vom damals neuen Album gespielt, aber hauptsächlich welche von seinem erheblich bekannteren Projekt Kyuss. Ich hatte leider nie die Gelegenheit, Kyuss live zu sehen, aber ab und zu touren die ehemaligen Bandmitglieder mit neuen Bands und spielen die alten Songs. Dann geht es richtig ab. Es wird getanzt und gemosht und mitgesungen. Absolut geil.

Am nächsten Tag stand dann Amenra auf dem Programm. Konzerte von Amenra sind wie Messen. Die Musik trägt einen in andere Sphären, in denen sich die meisten Menschen furchtbar unwohl fühlen würden, die aber interessant sind und schön auf ihre Weise. Solche Konzerte hinterlassen bei mir keine bildlichen Erinnerungen, sondern nur Gefühle und Farben, losgelöst von Dinglichkeit. Man schwankt vor und zurück mit geschlossenen Augen und lässt sich von den Instrumenten aus der Welt prügeln, bevor man zurückkehren und applaudieren darf. Ich hoffe sehr, Amenra bald wieder live sehen zu dürfen.

Drei Tage danach besuchte ich einen interessanten Auftritt von Alexej Gerassimez im Dortmunder Konzerthaus und war Anfang März noch einmal dort für ein Orchesterkonzert. Beides war gut, aber hinterließ keine Eindrücke, die nach 9 Monaten noch intensiv wären.

Aber dann kam Colter Wall in den Bahnhof Ehrenfeld. Das war wirklich witzig. Ich kenne die verschiedenen Trends und Aufzüge und Trachten der Metal-Szene mit ihren Kutten, Army-Shorts und Patches, aber einen Raum unter den Gleisen, der gefüllt ist mit Menschen, die Lederhüte, Jeansjacken und Cowboy-Westen tragen, war ein Erlebnis. Die Band bestand ebenfalls zu 80% aus Jeans (Jacken, Hosen, Hemden), mit Cowboyhüten und -stiefeln. Die eigentlich recht tristen Songs von Colter Wall waren allesamt beschleunigt und aufgebauscht worden, um von einer Westernband gespielt werden zu können. Was sie daraus machten, war glorreich: ein waschechter Honky Tonk mitten in Köln Ehrenfeld. Es war nicht das, was ich erwartet hatte, aber es war etwas und es hat Spaß gemacht.

Der April war wieder düsterer. Am 12. spielten Mantar im Junkyard und am 14. Saint Vitus mit Dopelord als Vorband. Mantar waren cool, aber nicht spektakulär. Dopelord hat mich überrascht und Saint Vitus haben wie immer die Hütte abgerissen. Wenn Menschen ihr ganzes Leben damit verbringen, einfach ihr Ding durchzuziehen, auch wenn es sich nicht finanziell auszahlt, finde ich das großartig. Die Tour 2019 geschah anlässlich des 40. Bandjubiläums. 40 Jahre Underground, herrlich. Mein liebster Saint Vitus-Moment ist schon Jahre her. Dave, der Gitarrist von Saint Vitus, tourte mit seiner Band Debris Inc. Er ließ es sich nicht nehmen, wenigstens zwei Klassiker von Vitus zu spielen und zwar Born Too Late und Dying Inside. Das Gitarrensolo in Born Too Late spielt Dave traditionell mit der Zunge. Also hob er die Gitarre vor sein Gesicht, sodass nur noch seine Augen zu sehen waren und er starrte mich direkt an mit einem mörderischen Blick – kein Blinzeln, keine Pupillenbewegung, nur Starren –, während er ein Solo hinlegte, das klang, als würde er sich die Schneidezähne mit der E-Saite absägen. Später traf ein Kumpel ihn an der Bar und fand heraus, dass er während des Konzerts wohl auf Acid gewesen wäre.

Es wurde Mai und Stoned Jesus kamen in Begleitung von The Great Machine nach Dortmund. Es war ein lustiger Abend. Der Sänger von Stoned Jesus erinnerte mich an Jack Black – ähnliche Optik und Bewegung. Ein gutes Konzert, aber keines, das ich ewig in Erinnerung halten werde.

Üblicherweise gehe ich nicht allein auf Konzerte. Ich habe zwei gute Freunde, die mich häufig begleiten. Aber ausgerechnet für Lamb of God habe ich niemanden gefunden. Draußen waren es um die 35°, weshalb ich extrem froh war, dass die Veranstaltung im Keller der Matrix in Bochum stattfand. Dort war es angenehm kühl. Mein Kreislauf konnte sich vor Start des Auftritts erholen. Doch mit der Vorband Bleeding From Within wurde es bereits wärmer. Ab dem zweiten Song startete der Moshpit und wurde bis zum Ende des Abends nicht mehr aufgelöst. Lamb of God selbst waren mal wieder großartig. Sie haben, wie es so schön heißt, die Hütte abgerissen und ganz nebenbei den Keller in einen Backofen verwandelt. Let’s trash this fucking place war eine Ansage, die befolgt wurde. Es war voll, es war laut, es war anstrengend und brutal. Ich liebe es. Am Ende wankte ich in die lauwarme Abendluft und konnte meinen Kopf kaum noch aufrecht halten. Ein schöner Abend. Etwas besser gefiel es mir allerdings noch, als sie 2018 mit Slayer tourten. Moshpit und Circle Pit waren nur noch Schlachtfelder, Menschen flogen durch die Gegend und am Ende des Abends durchdrang mich ein Frieden, den ich selten habe. Ausgepowert und glücklich.

Bei Corrosion of Conformity im Juli im Turock wiederum wurde mehr mitgesungen und getanzt. 25 Jahre Deliverance wurden gefeiert und beinahe das gesamte Album wurde gespielt. C.o.C. gehören zu den Bands, mit denen für mich die Liebe zu Stoner, Doom und Sludge begannen. Früher besuchte mich häufig ein Freund, der eine einzige gebrannte CD mitbrachte: C.o.C., Black Sabbath, Crowbar, Saint Vitus, Led Zeppelin und andere Bands waren darauf. Leider hat er sich vor einigen Jahren umgebracht und konnte dieses Konzert nicht mehr miterleben. Ich vermisse ihn.

Es wurde August und das Junkyard Open Air stand auf dem Programm. The Picturebooks gingen mir auf die Nerven, obwohl ich gute Erinnerungen an sie hatte als Vorband von Kadavar einige Jahre zuvor. Dafür waren Orange Goblin wieder super. Diese Band versprüht so viel gute Laune und Lust zu spielen, dass das Publikum jedes Mal angesteckt wird. Es gab einen schönen Moshpit im Staub inklusive Wall of Death. Später am Abend wurde die Veranstaltung ins Gebäude verlegt und Dopethrone traten auf. Da hier nicht genug Platz ist, um zu beschreiben, was dabei abging, weise ich auf einen Blogeintrag hin, den ich dazu geschrieben hatte: Eine Erfahrung aus Schmerz und Glück.

Die Tatsache, dass sich Exhorder wieder zusammengeschlossen haben und die alten Songs live noch immer spielen können – wer sie kennt, wird wissen, warum das schwierig ist –, freut mich extrem. Anfang Oktober traten sie im Turock auf und brachten ihr neues Album mit. Ich besuche nur selten Thrash Metal-Konzerte, aber dieses hat sich definitiv gelohnt.

Und dann war auch schon Dezember. Am 3. spielten Clutch in der Turbinenhalle in Oberhausen und brachten Graveyard und Kamchatka mit – ein bluesiger Abend. Kamchatka stelle ich mir besser in einer kleineren Halle vor, aber sie waren dennoch sehr cool. Graveyard wiederum konnte mich live noch nie wirklich überzeugen. Ihre Musik ist super, aber sie schaffen es nicht, einen Draht zum Publikum herzustellen. So jedenfalls kam es mir immer vor und dieses Mal auch wieder. Aber Clutch wissen, wie es geht. Live enttäuschen sie nie. Das könnte der Grund sein, warum ich sie schon fünf- oder sechsmal gesehen habe. Diesmal brachten sie viele alte Songs mit, die ich noch nie live gehört hatte. Besonders über Space Grass habe ich mich sehr gefreut, aber auch Electric Worry war großartig.

Bloß vier Tage später bin ich mit einem guten Freund wieder nach Oberhausen gefahren, diesmal ins Druckluft, einer kleinen, dreckigen, freien Location, genau wie ich es mag. Die Wände waren bemalt, die Security nicht vorhanden und die Getränke billig. Ein guter Start. Als Vorband spielten Årabrot. Zuvor hatte ich nie von ihnen gehört, aber sie überzeugten mich sofort. Am Merch-Stand wunderte sich der Sänger sichtlich, dass wir Shirts von seiner Band kaufen wollten und nicht von Boris. Kurze Anmerkung am Rande: ich besitze bereits mehrere Shirts von Boris.

Als Boris auf die Bühne kam, wurde der Nebel dichter. Dass drei Menschen so viel geilen Lärm machen können, muss zu den größten Vorteilen der technischen Entwicklung zählen. Die Optik allein ist schon einen Besuch wert: hinter einem düster geschminkten Drummer prangt ein riesiger Gong, Nebel steigt auf, die Gitarristin blickt in die Runde, der Sänger hält eine Gitarre mit Doppelsteg, halb E-Gitarre, halb E-Bass. Aber was wirklich beeindruckend ist, ist der Sound. Ich bin davon überzeugt, dass es Tonfrequenzen gibt, die in uns irgendwelche Dinge auslöst, die im Laufe der Evolution übriggeblieben sind. Als der Bass richtig dröhnte, meine Hose und die Jacke vibrierten, der Boden zitterte und das Dröhnen bis in die Wangen stieg, gelangte ich in einen Mischzustand aus Furcht und Euphorie. Die Euphorie siegte. Ein geiler Abend.

2019 war ein gutes Konzertjahr, ein gutes Jahr allgemein. In den nächsten Artikeln wird es ruhiger werden und sich alles um Literatur drehen.

Jahresrückblick I: Musik I

Über mein musikalisches Jahr 2019, entdeckte und wiederentdeckte Bands.

Willkommen zum ersten Teil unserer 4-teiligen Jahresrückblicksreihe 2019. Das ist der Plan:
20.12.: Musik – Neu- und Wiederentdeckungen
21.12.: Musik – Konzerte
22.12.: Literatur I – Gelesene Bücher
23.12.: Literatur II – Mein literarisches Jahr

Musik spielt eine wichtige Rolle in meinem Leben und zwar ununterbrochen, seit ich als Kind im Zimmer Lego gespielt und LPs von den Beatles, Elvis und anderen auf dem Plattenspieler meiner Mutter gehört habe. Das hier soll eine Art persönlicher musikalischer Jahresrückblick werden, weshalb ich mich auf Neuentdeckungen, Wiederentdeckungen und einige Lieblingssongs beschränken werde. In einem zweiten Artikel wird es dann um Live-Konzerte gehen. Einige Songs und Künstler, die zu meinem Standardrepertoire gehören, werden also gar nicht auftauchen.

Vor vielen Jahren hat mich ein Freund einmal als „toleranten Hörer“ bezeichnet, weil ich jeder Musik eine Chance gebe und nicht selten mehrere. Man wird erkennen können, wo mein Fokus liegt, aber auch, dass ich kein Problem habe, davon abzuweichen. Ich werde alphabetisch vorgehen.

Eine Band, die ich dieses Jahr zu schätzen gelernt habe, ist Amenra. Vom Namen her kannte ich sie schon länger, aber hatte mich nie dazu bequemt, reinzuhören. Dann traten sie in der Nähe auf und haben mich überzeugt. Amenra machen düstere, atmosphärische Musik, die irgendwo im Bereich Post Hardcore oder Post Metal angesiedelt ist. Der Song A Solitary Reign ist mein absoluter Favorit und zählt zu meinen Lieblingsliedern 2019. Für mich klingt die Musik von Amenra nach tiefer Verzweiflung und das finde ich gut. Wenn Musik die Repräsentation von Gefühlen ist, um diese zu unterstützen oder abzubauen, hat jedes Gefühl eine Rechtfertigung, musikalisch umgesetzt zu werden.

Erst kürzlich habe ich Årabrot für mich entdeckt. Sie spielen Noise Rock, wenn ich mich mit der Definition nicht irre, aber sie schöpfen auch aus anderen Bereichen wie Sludge oder Gothic. Ich weiß nicht recht zu sagen, was mir an der Musik gefällt, aber sie ist anders, besonders und unterhält mich. Årabrot fühlt sich an wie Kunst, finde ich.

Battle of Mice gehörte auch dieses Jahr wieder zu den viel gehörten Bands auf meiner Playlist. In einer Facebook-Gruppe fragte jemand nach Songs mit verstörenden und psychotischen Lyrics. Jemand schlug Battle of Mice vor, ich hörte sie mir an und war begeistert. Die Intensität der Schreie von Julie Christmas und das heftige Gitarrenspiel machten mir Gänsehaut. Ein Freund (Metalhead seit Jahrzehnten) sagte, das sei „wirklich harte Musik“ und meinte damit hauptsächlich den Effekt, den die Songs auf die Psyche haben. Bones In The Water wäre mein Favorit, aber unter den wenigen Songs, die es von der Band gibt, kenne ich keinen schlechten.

Okay, gehen wir einige Jahrzehnte zurück und stimmen die Instrumente heller: The Beatles. 2019 stieß ich wieder auf sie. Manchmal beruhigen mich die Songs, manchmal machen sie mir gute Laune und manchmal unterhalten sie mich einfach. Und es sind gute Songs. Ich mochte immer die abgedrehteren Sachen lieber, also Lieder wie Lucy In The Sky With Diamonds. Wenn es irgendeine Band gibt, die in jeder Lebensphase bei mir präsent war, dann die Beatles, wenn auch meist in einer Nebenrolle. Also weiter geht’s.

Boris. Ich liebe Boris. Die Vielseitigkeit, die Gewalt, die Zartheit, die Kreativität und die Produktivität dieser japanischen Band sind großartig. Man vergleiche Hana, Taiyou, Ame mit D.E.A.R. und 1970. Ich könnte problemlos einen Beitrag nur über Boris schreiben, aber in drei Sätzen lassen sich schlecht Jahrzehnte produktiver Musikarbeit zusammenfassen, deshalb belasse ich bei den wenigen Worten.

Colter Wall, ein sympathischer kanadischer Cowboy mit einer wunderbaren Stimme. Er zieht sich nicht einfach als Cowboy an, sondern treibt tatsächlich manchmal Rinderherden. Aber hier soll es um Musik gehen. Die meisten Songs sind langsam und sehr sehr traurig. Country/Western, wie man sich vielleicht denken konnte. Ich liebe die Kombination aus seiner Stimme und den teils großartigen Lyrics. Codeine Dream gehört zu meinen Lieblingsliedern. Every day it seems | My whole damn life’s just a codeine dream | I don’t dream of you | Anymore. Wie sehr er mich mit einigen Songs berührt, ist beängstigend. Es geht um Freiheit, Alkohol, Drogen, Einsamkeit und ein paar Cowboy-Sachen, die man aber ignorieren kann, denke ich.

Ganz anders klingen da Crystal Castles. Elektronisch, manchmal abgehackt, aber auch traurig. Dieses Jahr hatte ich zwei eindeutige Favoriten unter ihren Songs, die ich wieder und wieder gehört habe: Sad Eyes und Not In Love. Zweiterer hat mich zu einer Geschichte inspiriert. An dieser Stelle merkt man vielleicht, wieso ich ein „toleranter Musikhörer“ sein soll. Ich musste mich intensiv in die Songs der Band hineinarbeiten und habe sie wiederholt gehört, bevor ich einen Zugang gefunden habe. Irgendetwas sprach mich an und eine gute Freundin zählt zu ihren Fans, also musste es mehr geben, und irgendwann fand ich es.

Eels habe ich 2019 wiederentdeckt. Ebenfalls meist elektronisch und ebenfalls meist traurig, aber bei weitem nicht nur. Es gibt sogar witzige Songs von Eels, aber davon lassen wir uns nicht aufhalten, oder? Aber da wir zu einem Ende kommen wollen, halte ich mich kurz.

Igorrr machen wirre Sachen. Stellt euch vor, jemand mixt jede existierende Musikrichtung in funktionierende Songs: Polka, Klassik, Oper, Black Metal, Techno … So macht man neue, nie zuvor dagewesene Musik. Als Hörer braucht man allerdings wieder Toleranz oder einen Hang zum Extremen. Ich habe beides. Zum Glück.

Jesu, Joy Division, Lamb of God, Myrkur, Oceans of Slumber, Woods of Ypres und Young Fathers spielten auch noch ihre Rollen als (Wieder)Entdeckungen. Hört rein, wenn ihr sie nicht kennt!

Und dann waren da die kurzen Happy Hardcore-Phasen. Wie zur Hölle kam es dazu? Charly Lownoise & Mental Theo, Dune und sogar Das Modul. Es muss an der Nostalgie gelegen haben, die mich 2019 häufig bedrängte. Wer weiß, wo sie mich noch hinführen wird.

Musikalisch war 2019 für mich wieder interessant. Mir gefällt der Gedanke, dass sich durch diesen Artikel ein paar neue Hörer*innen für die weniger bekannten Bands in meiner Liste finden lassen. Das hätten sie verdient. Habt keine Angst, Neues zu testen und über den Tellerrand zu schauen! In Kürze wird ein Beitrag über Live-Konzerte 2019 folgen und ein paar Bands aus dieser Liste werden wieder auftauchen.

Inspirationsquellen

Artikel über die verschiedenen Quellen der Inspiration für meine Arbeit als Autor.

Dieser Eintrag behandelt allgemein verschiedene Inspirationsquellen, mit deren Hilfe ich freiwillig oder unfreiwillig meine kreativen Energien auf- oder überlade. Inspirationsquellen eben.

Über Musik und Literatur werde ich mich dabei zu anderen Quellen vorarbeiten.

Musik

Nach einem Weg durch den Rock der 60er und 70er, Punk, Metal und Pop der 80er und 90er, fühle ich mich seit Langem in der Metalszene zuhause; genauer der Stoner/Doom/Sludge-Szene, die recht klein ist.

Entsprechend ziehe ich einige Inspiration von Bands, die eventuell und leider den meisten nichts sagen werden.

Neben der Musik als solcher, die meist sehr bassig und aggressiv / depressiv ist, sprechen mich in diesem Zusammenhang natürlich besonders die Lyrics an. Die verstörenden Texte von Acid Bath (die leider nur zwei Alben veröffentlicht haben) beschäftigen mich beispielsweise gelegentlich. Darunter besonders The Beaufitul Downgrade. Die Zeilen

Do you remember the first sunrise?
Sharpened bone clenched tide in your fist
Screaming into the blue
An urge to kill the sky

lösen jedes Mal Bilder in mir aus. Es fühlt sich kraftvoll und ursprünglich an. Wild und unzivilisiert erklärt man Göttern den Krieg, die man selbst eben erst erfunden hat.

Die Band Down hat ebenfalls einige großartige Lyrics, die sehr deutlich und ungeschönt die dunkelsten Kapitel meines Lebens ansprechen. Aus Lysergik Funeral Pocession:

I get up, get ready to face this world
I come down
I come down so hard, I hit then bounce
In a pool of piss I lay

Die Kombination aus teilweise recht extremem und dadurch ehrlich wirkendem Gesang und ebenso echt und kreativ wirkenden Texten ist für mich jedes Mal beflügelnd.

Was diesen Aspekt angeht, wäre auf jeden Fall noch Battle of Mice zu nennen. Die Schreie der Sängerin Julie Christmas verschaffen mir regelmäßig wieder eine Gänsehaut. Vertonte Verzweiflung… da kommen die Dämonen aus den dunkelsten Ecken des Hinterkopfes gekrochen und melden sich großspurig zu Wort.

Selbstverständlich gibt es noch etliche andere Bands und Künstler speziell aus dieser Szene (Crowbar, Boris, Goatsnake, Mars Red Sky, Monolord uvm.), die Ideen und Bilder aus mir herausprügeln.

Doch auch völlig andere Musik beeinflusst mich (emotional, geistig und schriftstellerisch) stark. Nick Cave & The Bad Seeds, Tom Waits, Leonard Cohen und andere haben mich im Laufe meines Lebens (und damit Schreibens) massiv geformt. Beispielsweise liebe ich die Zeile And in the bathroom mirror I see me vomit in the sink (aus Magneto von Nick Cave) und das Bild, das sie auslöst: ein Neben-sich-stehen, während man abstürzt. Er beobachtet sich selbst auf seinem Tiefpunkt. Selbstverständlich löst das etwas in mir aus. Leonard Cohens Text zu Famous Blue Raincoat, der wie ein Brief verfasst ist, oder die Lyrics zu Avalanche haben nichts von ihrer Wirkung verloren. Zum Glück konnte ich ihn noch live sehen vor einigen Jahren.

Klassische Musik (live im Konzerthaus Dortmund beispielsweise) schafft es, meinen Geist auf Reisen zu schicken. Was er nachher im Gepäck hat, ist auf verschiedenste Weisen interessant – (auch?) für mich.

Literatur und Philosophie

Einen Autor, der nicht von anderen Autoren beeinflusst wurde, kann ich mir nur schwer vorstellen. Wenigstens in den letzten Jahrhunderten ist ein solcher Fall wohl auch nicht vorgekommen.

Nur ein paar ausgewählte der vielen Schriftsteller zu nennen, die meinen Weg begleitet haben, fällt mir nicht leicht. Zu einem späteren Zeitpunkt werde ich hier auf einige von ihnen einzeln und genauer eingehen.

Zu Anfang beeinflussten mich hauptsächlich englische Dichter – E.A.Poe, Lord Byron etc. –, aber auch ein paar deutsche – Rilke, Goethe. Lyrik lese und schreibe ich noch immer, aber die Dichter haben ihre Vorrangstellung in Sachen Inspiration verloren. Prosa-Schrifsteller übernahmen.

Jahre voller Sartre, Camus und Kafka folgten. Heute sind wieder andere an ihre Stelle getreten.

Jorge Luis Borges hat mein Denken massiv angeregt und verändert. Seine abgehobenen Ideen und die Verarbeitung philosophischer Konzepte in seinen Texte inspiriert(e) mich sehr.

Stilistisch und aufgrund der (teils sehr offensichtlichen) psychologischen Problematik wäre definitiv Hermann Burger als Inspirationsquelle zu nennen. Allein seine Poetik-Vorlesung Die allmähliche Verfertigung der Idee beim Schreiben oder sein Tractatus logico-suicidalis haben mein Denken in Wege gelenkt, die es vorher nicht kannte.

Generell interessieren und bewegen mich die Frankfurter Poetik-Vorlesungen verschiedener Autoren immer wieder aufs Neue. Daniel Kehlmanns Vorlesung ist ebenfalls sehr zu empfehlen. Seine Geschichten, die eindeutig Borges und andere wiedererkennen lassen, sind kreativ und unterhaltsam. Kehlmann gehört zu einer Reihe von Autoren, die mich zu einem meiner Romanmanuskripte vor einiger Zeit inspiriert hatten. Besonders wohl die Vermischung verschiedener Realitätsebenen beziehungsweise der absichtlich undeutliche Übergang zwischen diesen Ebenen, eine Technik, die er gerne gebraucht, war verantwortlich dafür.

Um nur noch ein paar wichtige Namen zu nennen: Hunter S. Thompson, Charles Bukowski, Irvine Welsh und selbstverständlich sehr weit vorne Hermann Hesse.

Auch philosophische Texte können die Kreativität anregen und sprechen nicht nur das logische Denken an. Wie man bei Kehlmann und Borges lesen kann, gehört Schopenhauer dazu. Ich selbst musste auch feststellen, dass sein Werk Die Welt als Wille und Vorstellung etliche großartige Passagen enthält. Auch sein Stil ist recht unterhaltsam, da bereits im Vorwort eine Wut zutage tritt, die man in einer solchen Disziplin selten erwartet.

Philosophische Wut führt natürlich direkt zu Nietzsche. Ich las Also sprach Zarathustra betrunken im Park, an einem Sonnentag und habe später am gleichen Tag einen meiner heute besten Freunde kennengelernt. Definitiv inspirierend.

Noch etwas abgedrehter, aber äußerst interessant und beflügelnd, fand ich Himmel und Hölle von Swedenborg. Dieser hochintelligente und gebildete Mann wurde im Laufe seines Lebens häufiger von Engeln besucht, die ihm den Himmel und die Hölle zeigten. Seine Berichte sind durchaus lesenswert.

Sonstiges

Es ist eigentlich unwürdig eine solche Überschrift zu nutzen, wenn es um Kunst in verschiedenen Formen gehen soll. Doch degradieren wir diese Inspirationsquellen einfach mal und schauen, was passiert.

H.R.Giger hat mich in meiner Jugend stark beschäftigt. Kein Wunder, sind seine Werke doch düster, futuristisch und voller Sex. Jetzt gerade hängt ein Poster von Gigers ELP hinter mir und blickt hohläugig in den Raum. Wie bereits im ersten Beitrag (Arbeitsplatz) beschrieben, hängen Picasso, Munch und Klimt ebenfalls hier.

Von Nick Alm bin ich ein großer Fan, seit ich vor einigen Jahren sein Werk The Great Implosion in Stockholm sehen durfte.

Seine Bilderreihe eines Hochzeitsfestes beschaue ich mir gerne und häufig. Leider kann ich mangels Ahnung auf diesem Gebiet nicht viel mehr über seine Bilder sagen, als dass sie mich berühren und häufig exakt den richtigen Zeitpunkt von Schwäche einzufangen scheinen, der eine Figur im Innersten erfasst und definiert.

Ich würde, wie gesagt, nicht behaupten, Ahnung von Kunst zu haben, doch ich ziehe meine Vorteile daraus: Genuss und Inspiration.

Selbstverständlich müssen Filme, Serien, Opernbesuche, das Ballett (das übrigens in Dortmund inzwischen ausgezeichnet ist), Theater oder Auftritte wie von Saburo Teshigawara, der in seiner Broken Lights Tanzperformance mit und auf Glas tanzte, ebenfalls zu Quellen größter Anregung für mein Hirn zählen.

Manchmal kiffe ich aber auch und lese Batman-Comics … da kommt man ebenfalls auf Ideen.

Beim Schreiben dieses Eintrags ist mir deutlich aufgefallen, dass ich meine Pferde extrem zügeln musste, um nicht Seite um Seite weiterzuschreiben. Daher werde ich mein Vorhaben auf jeden Fall in Zukunft umsetzen und Beiträge über einzelne Autoren, Musiker und andere Inspirationsquellen verfassen. Dann kann ich auch deutlicher herausarbeiten, wodurch und inwiefern sie mich beeinflussten.

Als groben Überblick lasse ich diese paar Namen einfach stehen und stelle mir vor, dass man meine Texte nun ein wenig besser verstehen kann.